Pop Art

por: Itamar Neftalí Sierra

Pop Art el arte de la legitimo El movimiento contrarrestaría el simbolismo del Expresionismo Abstracto y exploraría los mismos sujetos que el Dadaísmo; pero reemplazando sus impulsos destructivos y anárquicos El Popa art legitimizó muchos de los recursos propios de la calle mucho antes de que fueran entendidos como arte. 

De manera no inmediata _pues la velocidad de transmisión de los códigos dos ha acelerado hasta el desarrollo del internet_ la calle se vio reflejada en el arte aceptado. Vigoroso fácil y moderno. Así se retroalimentaba de las acciones que los grandes del Pop Art convertían en piezas de arte. El Arte Pop surgiría a mediados de los años cincuenta en el Reino Unido y a finales de los sesenta en los Estados Unidos. Por lo general, el movimiento contrarrestaría el simbolismo del Expresionismo Abstracto y exploraría los mismos sujetos que el Dadaísmo; pero reemplazando sus impulsos destructivos y anárquicos Una de sus principales influencias sería Marcel Duchamp ya que, en gran medida, fue quien popularizó la conversión en arte de productos ordinarios y fabricados en serie; sacándolos de su entorno y exponiéndolos en el contexto de una galería. También suele considerarse que otras fuentes del proto-pop (antecedentes precursores del Arte Pop) podrían ser las construcciones dadaístas de Kurt Schwitters y las pinturas que Fernand Léger hizo sobre objetos cotidianos. 

En su origen temprano, durante la posguerra inglesa, el Arte Pop consistiría en una visión externa alimentada por la cultura popular estadounidense; los británicos tomarían esta influencia desde lejos y por eso, llevarían a cabo su obra desde un punto de vista más romántico e idealizado. Sin embargo, los artistas estadounidenses estarían inspirados por la experiencia de vivir dentro de dicha cultura, siendo bombardeados a diario por los medios de comunicación de masas; lo cual daría como resultado que produjeran un trabajo más agresivo. 

 El principal precursor del movimiento artístico pop sería El Grupo Independiente (fundado en Londres en 1952), un conjunto de jóvenes artistas que usarían los elementos comerciales para desafiar la visión modernista de la cultura y la perspectiva tradicional de las Bellas Artes. Después de sus primeras reuniones, el co-fundador  Eduardo Paolozzi presentaría su colección de collages titulada Bunk!, entre los que se encontraría I was a Rich Man's Plaything (pieza donde, entre otros elementos, aparecería un revolver del que surge la onomatopeya “pop”). A raíz de dicho collage, el 4 concepto de Arte Pop sería finalmente acuñado por el artista John MacHale, utilizado en 1956 por los miembros del grupo Alison y Peter Smithson durante su artículo para la revista Arc y popularizado por el crítico Lawrence Alloway en 1958 para su ensayo The Arts and the Mass Media.

 Gracias a que florece la economía de Estados Unidos y éste se posiciona como el país más poderoso del mundo, los estándares de vida americanos dieron pie a un aumento del marketing y a que el consumismo desmesurado fuera aquello a lo que se debía optar. Tras la democratización de las máquinas y los avances relacionados con la producción en serie, aparecería esta nueva forma de consumo. La fascinación por lo banal lograría que las obras únicas perdieran interés y que el público se centrara en la disponibilidad de los productos triviales derivados de las modas. Este panorama quedaría reflejado en la pintura titulada Just what is it that made yesterday's homes so different, so appealing? (¿Y qué es lo que hace a los hogares de hoy tan diferentes, tan atractivos?, realizada por Richard Hamilton en 1956). Este cuadro se acabaría convirtiendo en la imagen pictórica más representativa del Arte Pop británico y asentaría tres factores determinantes: la mezcla de atracción e ironía con respecto a los símbolos de opulencia americanos, la importancia del collage como técnica (heredada del Cubismo, Dadaísmo y Surrealismo) y la sofisticación de una composición cargada de ambigüedades. 

La obra sería expuesta originalmente en la legendaria exposición This is Tomorrow (Esto es el mañana, celebrada en la Galería de Arte Whitechapel de 1956, High Street, Londres) y contendría todo tipo de alusiones que acabaron siendo representativas del movimiento; como la portada del número 26 de la serie de historietas Young Romance (Romance joven, colección realizada por Joe Simon y Jack Kirby; del número 1 al 124 para la Crestwood Publications imprint Prize Comics, entre 1947- 1963 y del número 125 al 208 para la editorial DC, entre 1963-1975).

A partir de la década de los sesenta comenzaría un periodo crucial tanto en la evolución del propio panorama artístico como en el desarrollo del cómic y se situaría como el turning point (punto de giro) de la postura de los intelectuales en relación con las historietas. En gran medida, esto ocurriría gracias a que varios artistas del Arte Pop  relacionarían su trabajo con estas publicaciones, usándolas como recurso para llevar a cabo sus obras. Es el caso de Jasper Johns, que en 1958 haría un cuadro con su propia versión emborronada de las tiras de Alley Oop (realizadas por Vincent Trout Hamlin desde 1932) y a principios de los sesenta Andy Warhol también se basaría en historietas tan famosas como las de Popeye (creado por Elzie Crisler Segar en 1929) y Dick Tracy (realizado por Chester Gould desde 1931). 

 En la mayoría de los casos, la apropiación de estos personajes icónicos vendría determinada por una doble intención: porque era un forma directa de representar la cultura de masas en una figura fácilmente reconocible y por el carácter nostálgico que despertaban en los propios artistas. Por ejemplo, a Warhol le gustaba la figura de  Batman desde su juventud y más a raíz de las series televisivas; donde también se adaptarían elementos pop muy característicos (la primera serie del hombre murciélago realizada íntegramente por actores, sería dirigida por Lambert Hillyer y producida por Columbia Pictures en 1943). Hasta tal punto que el propio Warhol llegaría a dirigir en 1964 la película en blanco y negro Batman/Drácula (un proyecto personal que haría por su cuenta, sin el consentimiento de la editorial DC), donde mostraría escenas experimentales protagonizadas por Jack Smith (actor y director pionero del cine independiente) y Baby Jane Holzer (actriz, modelo y productora). 10 A esto se suma que algunos artistas pop tenían una relación profesional directa con los propios historietistas; sería el caso del artista británico Allen Jones (cuyas esculturas eróticas, donde transforma a mujeres en piezas de mobiliario, inspirarían en 1971 a las de La naranja mecánica de Stanley Kubrick) que escribió un prefacio para el dibujante de cómics John Willie (experto en bondage y creador de la serie The Adventures of Sweet Gwendoline desde 1946). 

El artista gráfico, pintor y escultor Roy Lichtenstein  acabaría siendo uno de los máximos representantes del Arte Pop y su producción más conocida, aquella que bebería de las imágenes comerciales de producción masiva (a pesar de que no llegaría a utilizar dichas imágenes hasta los casi cuarenta años de edad)

 Piper, D. (1981). The Illustrated History of Art. California: Bounty Books. 1 Varnedoe, K. & Gopnik, A. (1990). High & Low: Modern Art, Popular Culture. New York: The Museum of Modern Art. 2 3 Arnason, H.H. (1968). History of Modern Art: painting, sculpture, architecture, photography. New York: Harry N. Abrams, Inc. 1968 Groensteen, T. (2000). Comics & culture: Why are Comics Still in Search of Cultural Legitimization?. Copenhague: Museum Tusculanum Press 8 Alarcó, P., Serraller, F. C. & Crow, T. (2014). Catálogo Mitos del Pop. Madrid: Museo Thyssen Bornemisza Capdevila, F., Corcho, I., de Diego, E. & modera Pons, A. (2012) 9 10 Jordan, M. (2006). Jack Smith and the Destruction of Atlantis. Festival de cine de Tribeca. Nueva York: Tongue Press Productions 11 Willie, J. (1974). The adventures of sweet Gwendoline: Cartoons. Nueva York: Belier Press